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Gustav Klimt (1862-1918)

Pintor austriaco fundador, junto con otros artistas, de la escuela de pintura conocida con el nombre de la Secesión vienesa. Nació el 14 de julio de 1862 en Viena (Austria), fue el segundo de los siete hijos del orfebre Ernst Klimt y de Anna Finstern. Estudió en un primer momento en la Escuela de Artes y Oficios del Museo Austriaco para el Arte y la Industria y, posteriormente, junto al profesor Ferdinand Laufberger.

Aquí algunas de sus principales y más reconocidas obras:

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El beso – Óleo sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.

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Retrato de Adele Bloch-Bauer I – Óleo y oro sobre tela 138 x 138 centímetros, 1907

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La joven – Óleo sobre tela 190 x 200 centímetros, 1912 – 1913

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Judit I – Óleo y oro sobre tela 84 x 42 centímetros, 1901

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Día del Libro

Hoy, 23 de abril, se conmemora el Día Internacional del Libro, con el objetivo de fomentar la lectura, la industria editorial y la protección de la propiedad intelectual por medio del derecho de autor. Esto fue promulgado por la UNESCO en el año 1995 y, desde allí, distintos países cada año se convirtieron en sede mundial del libro.

¿Por qué esta fecha? Un 23 de abril del año 1616, fallecieron Miguel de Cervantes Saavedra, William Shakespeare y el Inca Garcilaso de la Vega; considerados como tres de los mejores autores de todos los tiempos.

Además, se conmemora el nacimiento o muerte de otros autores prominentes como Maurice Druon, Haldor K. Laxness, Vladimir Nabokov, Josep Pla y Manuel Mejía Vallejo.

 

Les compartimos diez frases de Cervantes:

“El hacer bien a villanos es echar agua en la mar.”

“El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.”

“Ninguna ciencia, en cuanto a ciencia, engaña; el engaño está en quien no la sabe.”

“La verdad adelgaza y no quiebra, y siempre anda sobre la mentira como el aceite sobre el agua.”

“El que lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho.”

“No andes, Sancho, desceñido y flojo, que el vestido descompuesto da indicios de ánimo desmalazado.”

“Sé breve en tus razonamientos, que ninguno hay gustoso si es largo.”

“Come poco y cena menos, que la salud de todo el cuerpo se fragua en la oficina del estómago.”

“Cada uno es como Dios le hizo, y aún peor muchas veces.”

“El año que es abundante de poesía, suele serlo de hambre.”

 

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Fotografía: Gonzalo Déniz

Fotografía portada: Jens Schott Knudsen

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Joan Miró

Joan Miró (1893-1983), pintor español, máximo representante del vanguardismo pictórico del siglo XX. Vivió entre España y Francia, donde recopiló ideas que le llevaron a crear un estilo peculiar, aunando el arte abstracto y la fantasía surrealista, pintura y poesía.

Nacido el 20 de abril de 1893 en Barcelona (España), su tierra natal y las influencias bizantinas y románicas de los templos catalanes son una constante en todos sus trabajos.

Inició su andadura artística descubriendo los movimientos franceses de comienzos del siglo XX, de los que recogió la variedad cromática del fauvismo, las formas cubistas y las figuras geométricas. Esta influencia hizo que entre 1915 y 1919 Miró se dedicara a componer paisajes y retratos.

Desde 1920 se adentró en el surrealismo, rompió con los cánones clásicos y plasmó su visión de la realidad desde una perspectiva infantil y fantástica. Sobre fondos neutros representaba seres vivos desfigurados, puntos y líneas? Dibujaba principalmente con colores primarios y tonalidades brillantes(El carnaval del arlequín, La masía).

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Hasta 1930, una vez integrado en el movimiento surrealista, amplió su actividad a recrear decorados para ballet, murales y tapices. Sus cuadros comenzaban a exponerse internacionalmente. PintóConstelaciones y definió los que serían sus temas más recurrentes: la mujer, la estrella y el pájaro(Personaje lanzando una piedra a un pájaro).

Progresivamente Miró fue simplificando los trabajos: trazos más ligeros y sueltos, llenos de manchas de color, como El nacimiento del mundo.

Durante la Guerra Civil española, Miró impregnó sus cuadros de carga política (El segador). Experimentó con las técnicas del collage ensamblajes, para lo cual se valió de objetos corrientes (Naturaleza muerta con zapato viejo, 1937). La faceta de Miró como escultor se palpa en Objeto poético, creado con un bombín, un pez, un mapa, una percha?

A partir de 1950, ya asentado en España, Miró diversificó su actividad. Realizó cerámicas, grabados y, sobre todo, aceptó importantes encargos de murales, La pared de la Luna y La pared del Sol para la sede de la UNESCO en París o el mostrado en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid.

Su trayectoria quedó reconocida con distinciones como el Premio de Grabado de la Bienal de Venecia, la Medalla de Oro de las Bellas Artes española y catalana, entre otras muchas, y la exhibición de sus trabajos en los museos más prestigiosos del mundo.

Falleció el 25 de diciembre de 1983 en Palma de Mallorca (España).

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Beneficios de beber agua

Habrás leído y oído un millón de veces que debes beber agua. Normalmente, los médicos recomiendan entre 6 y 8 vasos de agua al día, o 1 litro o litro y medio de agua, aunque también depende de tu complexión, salud y actividad. El otro medio litro, lo obtendrás si comes fruta y verdura, ya que son alimentos que de por sí muy acuosos.

A continuación, leerás los cinco beneficios de beber agua:

  1. Una adecuada hidratación es importante para un funcionamiento correcto del cerebro. Cuando estamos adecuadamente hidratados, las células del cerebro reciben sangre oxigenada y el cerebro se mantiene alerta.
  2. El consumo adecuado de agua es esencial para que los riñones funcionen bien, ayudándolos a eliminar residuos y nutrientes innecesarios a través de la orina.
  3. Mejora el tracto digestivo ya que el agua es necesaria en la disolución de nutrientes para que estos puedan ser absorbidos por la sangre y transportados a las células.
  4. El agua es un gran aliado para la piel ayudando a mantener la elasticidad de la misma y su tonicidad.
  5. El agua actúa como un lubricante para los músculos y las articulaciones: ayuda a proteger a las articulaciones y a que los músculos funcionen correctamente.

 

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Maratón de Boston

La  maratón de Boston, es una maratón que se celebra cada año desde 1897 en la ciudad de Boston, Massachusetts, Estados Unidos. Esta carrera es considerada la más importante del mundo y se celebra el tercer lunes de abril.

Hoy, lunes 20 de abril de 2015, celebra su 119ª edición. Esta competencia, es una de las seis pruebas que configuran el World Marathon Majors, competición internacional que reagrupa, desde 2006, los más grandes maratones del mundo (Nueva York, Chicago, Berlín, Londres y Tokio, además del de Boston).

Este maratón tiene la particularidad de que para ser aceptado debe de acreditarse una marca por debajo de los límites que establece la organización. Las marcas para la acreditación pueden ser de una edición anterior del maratón de Boston, de alguna de los otros cuatro World Marathon Majors (Chicago, Nueva York, Berlín o Londres) así como de otros maratones norteamericanos. Por ejemplo, los hombres de una edad entre 18 y 34 años deben acreditar un tiempo inferior o igual a 3h10, en un maratón oficial del año anterior al de inscripción.

En 1986, el maratón aceptó las exigencias de los corredores que reivindicaban un premio. De hecho, hasta esa fecha, el premio era una corona de hojas de olivo.

A pesar de que el maratón tiene la reputación de ser una de las más difíciles, no puede ostentar un récord del mundo, porque la norma de validación prohíbe que la llegada tenga una altitud menor que la salida.

Atentado

El atentado del maratón de Boston fue un acto terrorista que ocurrió el 15 de abril de 2013 en Boylston Street, Estados Unidos, cerca de Copley Square, justo antes de la línea de meta.

En el lugar de los hechos detonaron dos artefactos explosivos de fabricación artesanal (ollas a presión), durante la famoso competencia, que causó la muerte de tres personas y otras 282 resultaron heridas.

El departamento de policía de Boston confirmó que las detonaciones correspondieron a dos bombas cerca del final del maratón.

Estas explosiones provocaron la suspensión del partido correspondiente a la Temporada 2012-13 de la NBA, entre Indiana Pacers (visitante) y Boston Celtics (local).

De igual manera, los norteamericanos no han dejado de celebrarlo anualmente, recordando las víctimas de aquella tragedia.

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Un año de soledad

Hoy, 17 de abril de 2015, se cumple el primer aniversario del fallecimiento del reconocido escritor Gabriel García Márquez. Por ese motivo, te contaremos acerca de su vida.

Gabriel García Márquez (1927-2014)

Gabriel fue uno de los mayores novelistas en lengua española de las últimas décadas. Su obra Cien años de soledad resultó fundamental en la concesión del Premio Nobel de literatura en 1982.

Nació el 6 de marzo de 1927 en Aracataca, una remota ciudad provinciana de Colombia. Sus primeros ocho años de vida los pasó en compañía de sus abuelos maternos, el coronel Nicolás Márquez, veterano de la guerra de los Mil Días y doña Tranquilina Iguarán de Márquez. Tras el fallecimiento de su abuelo en 1936, la familia se trasladó a Sucre, una ciudad con puerto fluvial.

Aunque recibió una esmerada educación muy superior a la media de sus conciudadanos que incluyó el estudio de la carrera de Derecho en la Universidad Nacional de Santafé en Bogotá, García Márquez afirmó, ya de adulto, que las principales fuentes para su actividad literaria las constituyeron los relatos que escuchó a su abuelo acerca de la historia de Aracataca y de su propia familia.

El periodismo, mucho antes de lograr la fama literaria, se convirtió en su primera actividad profesional y firmó algunos artículos con el seudónimo de Septimus.

El diario en que comenzó a colaborar fue El Espectador y se dice que llegó a inventarse una excursión por helicóptero sobrevolando el Salto del Tequendama.

A continuación dio a conocer una serie de reportajes que incluyeron entrevistas a un marinero que cayó de la cubierta de un navío de la armada colombiana y fueron publicados con el título Relato de un náufrago. Poco después, El Espectador lo envió como corresponsal a París en la década de 1950, allí conoció la literatura americana, en buena medida a través de traducciones francesas. Estando en la capital francesa, el diario dejó de publicarse y García Márquez se quedó sin empleo, de modo que dedicó su tiempo a escribir; las deudas se amontonaron en poco tiempo y no tuvo más remedio que regresar a Bogotá.

A finales de esa misma década, trabajó en Caracas y posteriormente en Nueva York para “Prensa latina”, el servicio de noticias creado por el régimen de Fidel Castro.

Su relación con el comandante cubano comenzó en 1958, cuando fue invitado como periodista con ocasión del lanzamiento de la “Operación Verdad”, organizada por Castro para contrarrestar la mala imagen que difundían de él las agencias de noticias estadounidenses. La revolución cubana se desató el mismo 1958 y García Márquez tomó partido por el bando castrista, llegando a convertirse en uno de los principales defensores de dicho régimen.

Tiempo después se trasladó a Ciudad de México, donde escribió Cien años de soledad, la obra que lo consagró definitivamente e incluso le aportó notoriedad mundial. Después de su publicación, entre 1967 y 1975 vivió en España, concretamente en Barcelona.

Más tarde estuvo durante largas temporadas en La Habana, donde Fidel Castro le proporcionó una mansión, a pesar de contar con una casa en México y un piso en París.

Otro terreno que ha sido objeto de atención por parte de “Gabo”, como cariñosamente le llaman sus amigos, ha sido el cine. Fue incluso crítico en los diarios El Heraldo de Barranquilla y el ya mencionado El Espectador.

Un cuento titulado En este pueblo no hay ladrones fue objeto de una adaptación cinematográfica en México; en compañía del escritor mexicano Carlos Fuentes escribió el guión de El gallo de oro,basado en un cuento de Juan Rulfo.

Otros guiones suyos trasladados a la pantalla han sido Tiempo de morir y El secuestro. Títulos cinematográficos como Presagio, María de mi corazón, La viuda de Montiel están asimismo relacionados con él, ya que o están basados en obras suyas o los escribió directamente.

Además del mencionado Premio Nobel de literatura en 1982, García Márquez ha recibido numerosos galardones, como el Premio Esso de novela en Colombia; el Premio Chianciano en Italia; el doctoradohonoris causa de la Universidad Columbia de Nueva York, el Premio Rómulo Gallegos en Venezuela y la Legión de Honor en Francia.

 

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Las obras más famosas de Francisco de Goya

Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828), artista español que destacó por sus pinturas y grabados en los que representó a las principales figuras de la corte de Carlos IV y Fernando VII, escenas de la vida cotidiana y la tauromaquia, así como imágenes de la Guerra de la Independencia española. Entre sus obras más destacadas se encuentran Maja vestida, Maja desnuda, la serieCaprichos y los lienzos El dos de mayo y Los fusilamientos del tres de mayo. Su fuerte estilo expresivo y su técnica pictórica le han valido ser considerado como uno de los principales precursores del impresionismo y los movimientos de vanguardia del siglo XX.

Dentro de sus principales obras, encontramos:

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La maja vestida
1797 – 1798
Lienzo. 0,97 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.

Famosísimas por la leyenda que quiso ver en ellas a la duquesa de Alba, las Majasson, quizá, lo más conocido en la obra de Goya, y sin duda lo que más literatura extraartística ha producido. Paradójicamente, son también las obras de las que se posee menos información documental. Se ha supuesto, por razones técnicas, que se pintaron hacia 1797-1798, pero no es seguro que sean contemporáneas, y en realidad nada se sabe acerca de ellas hasta que aparecen en 1808 en la colección de Godoy, calificadas de “gitanas”. Desde 1808 estuvieron en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con los bienes incautados a Godoy, y en 1901 pasaron al Museo del Prado.

Aun cuando el modelo parezca el mismo y la posición y actitud sean idénticas, algo que no es sólo el contraste entre lo vestido y lo desnudo distingue a las dos MajasLa maja vestida está tratada con una técnica más suelta, vibrante y libre: más “goyesca”, en realidad, que La maja desnuda.

Mucho menos académica en su acabado, La maja vestida comunica al espectador un hálito de vida y de malicia, que hizo a la escritora Emilia Pardo Bazán calificarla de “más que desnuda”, por contraste con su “aporcelanada” compañera. Fragmentos de pura pintura como la chaquetilla amarilla con adornos negros o los volantes de la almohada se cuentan entre los aciertos más rotundos del pincel de su autor.

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La maja desnuda
1797 – 1798
Lienzo. 0,97 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.

Se ha pensado que ambas majas formasen un díptico, de modo que la vestida pudiese descubrir, como al volver una página, a la desnuda. Es hipótesis muy verosímil, pues semejantes “picardías” eran frecuentes, aunque en menor medida, en Francia y en el ambiente de los ilustrados. De cualquier modo, La maja desnudaes un delicadísimo y acabado estudio de tonos nacarados, perfecto como pintura neoclásica, torneado y pulido el desnudo como una porcelana. Quizá sea, precisamente por su perfección y por su peso de Academia, lo menos “goyesco” de toda la producción del pintor. Ambas obras estuvieron juntas en la Academia desde 1808, con los bienes incautados a Godoy, y en 1901 pasaron al Museo del Prado.

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La maja y los embozados
1777
Lienzo. 2,75 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.

La producción de Goya es enormemente rica y varia. El Prado, que posee una asombrosa cantidad de obras suyas, muestra casi por entero la evolución, lenta y personal, de su sensibilidad. Los principales jalones de la vida artística de Goya están aquí representados, desde la pintura de sus primeros años madrileños -los cartones para tapices que dan su aspecto vivo, sensible y popular, matizado a veces de ironía y de humor, aún con algo de gracia rococó en su tratamiento- hasta las sombrías y dramáticas “pinturas negras” de su vejez, que parecen anunciar tantas direcciones de la pintura contemporánea, pasando por los retratos oficiales, los cuadros de historia y algunas de sus creaciones de mayor empeño académico, amén de muchos retratos privados y cuadritos menores, de carácter muy vario, acopiados por diversos conductos y ajenos a su quehacer oficial.

Su labor como suministrador de cartones para la Real Fábrica de Tapices, que fue su primera ocupación madrileña, se guarda en el Prado casi en su totalidad. Puede advertirse cómo a lo largo de los casi veinte años que duró esta actividad, de 1775 a 1792, Goya fue aprovechando esta obligación casi artesana para ensayar, armonizar, variar composiciones, observar e interpretar la realidad; es decir, como escuela de pura pintura.

De las primeras obras, aún torpes, mediocres, sin ningún acierto personal que las distinga de las de sus cuñados los Bayeu, pasa pronto a la segura maestría que se advierte en los cartones que entrega en 1777. De esa fecha es La maja y los embozados, de gracioso arranque decorativo, pintada ya con una riqueza de tonos calientes y una seguridad de pincel considerables.

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El coloso, o El pánico
1808 – 1812
Lienzo. 1,16 x 1,05
Museo del Prado, Madrid.

Con la llegada del nuevo siglo, Goya se convertirá en un lúcido cronista que describirá como nadie el esperpento, la violencia y, en definitiva, la terrible realidad que le rodeaba. Se trata del Goya expresionista de las “pinturas negras”. Un preámbulo de esta serie de pinturas es el lienzo que lleva el título de El coloso o El pánico, realizado hacia 1810-1812 y conservado en el Museo del Prado.

Este enigmático lienzo (que plasma todavía, sin duda, las pesadillas de la guerra) anuncia, pues, por su técnica y ambiente, las visiones que en los últimos años de la vida del pintor alcanzarán su punto de máxima expresividad. La verdadera significación e intención temática de este lienzo es aún imprecisa. Algo colosal y terrorífico se yergue frente a la desamparada humanidad y la pone en fuga. Sólo un asno, estampa de la ignorancia y la inconsciencia, permanece quieto e impávido.

Se han expuesto múltiples interpretaciones y significaciones del gigante. Hay quienes quieren ver una alusión a Napoleón, otros ven un símbolo de la guerra, el hambre, la crueldad o simplemente el miedo a lo desconocido. En cualquier caso el cuadro nos introduce en el mundo sombrío en que se nueve el Goya de los últimos años. Y por contraste nos revela también delicadezas y sabidurías de ejecución, con ligeros empastes dados con espátula y golpes vigorosos de pincel, de magistral modernidad. El cuadro entró en el Museo del Prado en 1930 con el legado Fernández Durán.

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El quitasol
1777
Museo del Prado, Madrid.

El quitasol,  forma parte de la serie de cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara; en concreto, para la serie destinada a la decoración del comedor del infante Carlos, entonces Príncipe de Asturias.

Fue ejecutado con toda probabilidad entre el 3 de marzo y el 12 de agosto de 1777, a juzgar por la datación de la entrega de la obra terminada a la Manufactura de Tapices. En el verano de 1777, el pintor hizo entrega de una serie que se destinaba a decorar el comedor del Príncipe de Asturias. Estos cartones fueron titulados así: El quitasol, El paseo por Andalucía (o La maja y los embozados), El bebedor y La riña en la venta nueva. En el documento de cuenta Goya tasaba El quitasol en quinientos reales de vellón. Goya recibió por esta serie completa de cartones 18.000 reales.

Hacia la mitad del siglo XIX el óleo fue trasladado al Palacio Real de El Pardo, donde se almacenó en el sótano del oficio de tapicería. Por orden real de 18 de enero y 9 de febrero de 1870 el cuadro ingresa como parte de los fondos del Museo del Prado y aparece en su catálogo por vez primera en 1876.

 

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10 tips para cuidar la voz

La voz es el sonido que el aire, expelido por los pulmones, produce al atravesar la faringe y hacer vibrar las cuerdas vocales. En la música, la voz define el sonido o tono particular de los cantantes, y también de los instrumentos.

La voz humana es la fuente de sonido más antigua y natural del hombre. Se puede deducir, por tanto, que el canto fue una de las primeras manifestaciones musicales del hombre, junto con la percusión. Con el canto, el ser humano expresa sus emociones más intensas, sus penas más hondas y sus alegrías más sublimes de forma directa, sin intermediación de ningún artefacto. Por eso suele decirse que la voz es el instrumento musical más perfecto de todos, y que todos los demás no son sino prótesis con las que los malos cantantes logran extraer la música que tienen en el interior de su alma.

Por eso, para todos aquellos que disfruten de cantar, les damos 10 recomendaciones para cuidar la voz:

1)  Debemos practicar el  respirar profundamente desde el diafragma expulsando el estómago hacia afuera cuando inhalamos y empujándolo hacia adentro cuando exhalamos. Esto nos permite un suministro de aire adecuado para hablar o cantar.

2) Mantenterse hidratado tomando un mínimo de seis a ocho vasos de agua u otros líquidos a lo largo del día. Se recomienda limitar la ingesta de cafeína y alcohol, que pueden secar tu garganta.

3)   El aire seco puede empeorar tus problemas de voz y garganta (¡por eso con el vapor de la ducha cantamos mejor!)

4) Ejercitarla de forma regular: el ejercicio aumenta la estamina y la tonicidad muscular, que sostiene la buena postura y las técnicas de respiración necesarias para un uso prolongado de la voz.

5)  Hay que consumir una dieta saludable, balanceada, rica en vitaminas A, C y E para mejorar la inmunidad y las membranas mucosas saludables en la garganta. La ingesta de alimentos picantes, pueden hacer que el ácido estomacal llegue a la garganta.

6) Evitar los irritantes es fundamental, como el humo de cigarrillo, la exposición al humo de segunda mano, los productos de limpieza con olores fuertes y contaminantes.

7) Descansar bien. El cansancio puede ocasionar fatiga vocal. Descansa tu voz cuando esté ronca evitando hablar y cantar, y evita hablar en un ambiente ruidoso, si es posible.

8) ¡No debemos gritar demasiado!

9)  Hacer gárgaras con agua tibia mezclada con 1 cucharadita de bicarbonato y otra de sal para eliminar las flemas, los alérgenos o irritantes antes de hablar o cantar si tu voz está irritada.

10) Podemos aliviar la garganta, cubriéndola y tomando una taza de té con miel.

 

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El genio de la risa

Charles Chaplin (1889-1977)

Este legendario comediante, productor, escritor, director y compositor británico, es considerado como uno de los artistas cómicos de cine mudo más importantes. Esto se debe a la creación de un personaje llamado Charlot, a quien Charlie Chaplin interpretó magistralmente.

Sir Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Londres (Gran Bretaña), en el seno de una familia de actores de teatro cómico de escasos recursos económicos. Introducido por sus padres en el mundo del teatro, donde debutó con tan sólo 5 años de edad, Chaplin sufrió el abandono de su padre y la muerte de su madre a los 7 años.

Tras pasar una temporada en un orfanato regresó al mundo del teatro, dedicándose muy particularmente a la mímica. Ya a los 12 años había viajado por Europa y los Estados Unidos con diversas compañías y había trabado amistad con otros actores, como Fred Karno.

Sus viajes a los Estados Unidos terminaron determinando definitivamente su carrera artística y su vida. Dotado de un talento inusual, Chaplin recibió en 1913 una oferta para trabajar en las películas realizadas por Keystone Cops., una productora norteamericana que contaba con autores consagrados en la época, como el célebre Fatty Arbuckle.

Aunque Chaplin comenzó interpretando papeles secundarios, su talento hizo que la productora descubriese en él un auténtico filón, que comenzó a explotar utilizando a Chaplin como protagonista de diversas películas.

Charlot

Fue en este periodo de su vida cuando Charlie Chaplin creó el personaje que le dio fama universal, Charlot, identificable por su sombrero hongo, su bigote, un bastón con el que adornaba su extraña y cómica manera de caminar, su chaqueta ajustada y unos pantalones y unos zapatos enormes, que le daban un aspecto ridículo que recordaba a los payasos circenses.

El personaje basaba además su identidad en la expresividad del rostro de Chaplin, que con unas cejas pobladas y un bigote que se movía al compás de sus estados anímicos conseguía despertar en el público emociones que iban desde la carcajada hasta la tristeza más dramática.

El talento de Chaplin y el gancho de Charlot hicieron que diversos estudios comenzasen a disputarse los servicios del actor británico, que en pocos años consiguió convertirse en un artista célebre en los Estados Unidos y en Europa.

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Madurez artística

En 1915 Chaplin pasó a trabajar para los estudios Essanay, lo que supuso un hito en su carrera. El artista británico dejó de ponerse a las ordenes de los guionistas y los directores para escribir y dirigir sus propias películas, en las que daba rienda suelta a su creatividad, que oscilaba entre los números cómicos basados en la pantomima y la sensibilidad derivada de una fuerte concienciación social y política.

Aunque los números cómicos de Chaplin estaban a la altura de los de otros cómicos de la época, la auténtica novedad de su obra residía en la inteligencia de sus películas. Éstas no se limitaban a estructurarse alrededor de la sucesión incontrolada de gags en los que Charlot se caía, tropezaba o realizaba acrobacias, sino que además incorporaban una trama dramática muy poco usual.

Por otra parte, con los años, Charlot había alcanzado un nivel expresivo incomparable. Los gestos y la mímica eran muy sutiles, y no era necesario que el personaje se viese expuesto a situaciones inverosímiles para generar todo un torrente de sensaciones. Frente a otros personajes del momento, Charlot era sutil, y estaba repleto de matices complejos.

Hacia el año 1917, Chaplin era ya un actor y un cineasta consagrado, que se había enriquecido notablemente y que hacía gala de una ideología incómoda para la mayor parte de los políticos de la época por su liberalismo. A partir de este año produjo las películas más notables de su carrera, primero bajo la producción de la First Nacional, y después con su propia compañía.

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United Artist

En el año 1919, junto con David Wark Griffith, Mary Pickford Douglas y Fairbanks, creó la United Artist, productora con la que pudo dirigir sus propias películas sin ninguna clase de coacción. A partir de este año Chaplin se volvió más intimista y personal, y se dedicó a depurar su técnica narrativa dirigiendo a otros actores y a otros personajes.

Si bien el público clamaba por la presencia de Charlot en sus películas, Chaplin tardó varios años en retomar el personaje, que volvió a mediados de los años veinte mostrando la más patética y trágica de sus facetas.

A partir de los años treinta, Chaplin comenzó a hacer películas políticamente comprometidas, en las que criticaba a los grandes líderes mundiales o en las que ironizaba acerca de la forma de vida de los norteamericanos conservadores. Además asumió con inteligencia la irrupción del cine sonoro.

Ante las críticas recibidas por parte de los sectores más conservadores y radicales de los Estados Unidos, Chaplin decidió cambiar su residencia a Europa, y a mediados de los años cuarenta se deshizo del personaje que le dio fama: Charlot.

Charlie Chaplin murió en Suiza en 1977, a la edad de ochenta y ocho años, dejando como legado algunas de las obras más valoradas de la historia del cine, entre las que destacan El chico (1920), en la que retrata la pobreza de los niños que vivían en los barrios deprimidos; La quimera del oro (1925), en la que realiza uno de los gags más célebres de su carrera al comerse sus propias botas; Tiempos modernos (1935), en la que critica la irrupción de las máquinas en el mundo de los obreros; o El gran dictador (1940), para muchos su obra cumbre, en la que ridiculiza al dictador alemán Adolf Hitler.

 

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