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Día del Libro

Hoy, 23 de abril, se conmemora el Día Internacional del Libro, con el objetivo de fomentar la lectura, la industria editorial y la protección de la propiedad intelectual por medio del derecho de autor. Esto fue promulgado por la UNESCO en el año 1995 y, desde allí, distintos países cada año se convirtieron en sede mundial del libro.

¿Por qué esta fecha? Un 23 de abril del año 1616, fallecieron Miguel de Cervantes Saavedra, William Shakespeare y el Inca Garcilaso de la Vega; considerados como tres de los mejores autores de todos los tiempos.

Además, se conmemora el nacimiento o muerte de otros autores prominentes como Maurice Druon, Haldor K. Laxness, Vladimir Nabokov, Josep Pla y Manuel Mejía Vallejo.

 

Les compartimos diez frases de Cervantes:

“El hacer bien a villanos es echar agua en la mar.”

“El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.”

“Ninguna ciencia, en cuanto a ciencia, engaña; el engaño está en quien no la sabe.”

“La verdad adelgaza y no quiebra, y siempre anda sobre la mentira como el aceite sobre el agua.”

“El que lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho.”

“No andes, Sancho, desceñido y flojo, que el vestido descompuesto da indicios de ánimo desmalazado.”

“Sé breve en tus razonamientos, que ninguno hay gustoso si es largo.”

“Come poco y cena menos, que la salud de todo el cuerpo se fragua en la oficina del estómago.”

“Cada uno es como Dios le hizo, y aún peor muchas veces.”

“El año que es abundante de poesía, suele serlo de hambre.”

 

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Fotografía: Gonzalo Déniz

Fotografía portada: Jens Schott Knudsen

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Joan Miró

Joan Miró (1893-1983), pintor español, máximo representante del vanguardismo pictórico del siglo XX. Vivió entre España y Francia, donde recopiló ideas que le llevaron a crear un estilo peculiar, aunando el arte abstracto y la fantasía surrealista, pintura y poesía.

Nacido el 20 de abril de 1893 en Barcelona (España), su tierra natal y las influencias bizantinas y románicas de los templos catalanes son una constante en todos sus trabajos.

Inició su andadura artística descubriendo los movimientos franceses de comienzos del siglo XX, de los que recogió la variedad cromática del fauvismo, las formas cubistas y las figuras geométricas. Esta influencia hizo que entre 1915 y 1919 Miró se dedicara a componer paisajes y retratos.

Desde 1920 se adentró en el surrealismo, rompió con los cánones clásicos y plasmó su visión de la realidad desde una perspectiva infantil y fantástica. Sobre fondos neutros representaba seres vivos desfigurados, puntos y líneas? Dibujaba principalmente con colores primarios y tonalidades brillantes(El carnaval del arlequín, La masía).

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Hasta 1930, una vez integrado en el movimiento surrealista, amplió su actividad a recrear decorados para ballet, murales y tapices. Sus cuadros comenzaban a exponerse internacionalmente. PintóConstelaciones y definió los que serían sus temas más recurrentes: la mujer, la estrella y el pájaro(Personaje lanzando una piedra a un pájaro).

Progresivamente Miró fue simplificando los trabajos: trazos más ligeros y sueltos, llenos de manchas de color, como El nacimiento del mundo.

Durante la Guerra Civil española, Miró impregnó sus cuadros de carga política (El segador). Experimentó con las técnicas del collage ensamblajes, para lo cual se valió de objetos corrientes (Naturaleza muerta con zapato viejo, 1937). La faceta de Miró como escultor se palpa en Objeto poético, creado con un bombín, un pez, un mapa, una percha?

A partir de 1950, ya asentado en España, Miró diversificó su actividad. Realizó cerámicas, grabados y, sobre todo, aceptó importantes encargos de murales, La pared de la Luna y La pared del Sol para la sede de la UNESCO en París o el mostrado en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid.

Su trayectoria quedó reconocida con distinciones como el Premio de Grabado de la Bienal de Venecia, la Medalla de Oro de las Bellas Artes española y catalana, entre otras muchas, y la exhibición de sus trabajos en los museos más prestigiosos del mundo.

Falleció el 25 de diciembre de 1983 en Palma de Mallorca (España).

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Un año de soledad

Hoy, 17 de abril de 2015, se cumple el primer aniversario del fallecimiento del reconocido escritor Gabriel García Márquez. Por ese motivo, te contaremos acerca de su vida.

Gabriel García Márquez (1927-2014)

Gabriel fue uno de los mayores novelistas en lengua española de las últimas décadas. Su obra Cien años de soledad resultó fundamental en la concesión del Premio Nobel de literatura en 1982.

Nació el 6 de marzo de 1927 en Aracataca, una remota ciudad provinciana de Colombia. Sus primeros ocho años de vida los pasó en compañía de sus abuelos maternos, el coronel Nicolás Márquez, veterano de la guerra de los Mil Días y doña Tranquilina Iguarán de Márquez. Tras el fallecimiento de su abuelo en 1936, la familia se trasladó a Sucre, una ciudad con puerto fluvial.

Aunque recibió una esmerada educación muy superior a la media de sus conciudadanos que incluyó el estudio de la carrera de Derecho en la Universidad Nacional de Santafé en Bogotá, García Márquez afirmó, ya de adulto, que las principales fuentes para su actividad literaria las constituyeron los relatos que escuchó a su abuelo acerca de la historia de Aracataca y de su propia familia.

El periodismo, mucho antes de lograr la fama literaria, se convirtió en su primera actividad profesional y firmó algunos artículos con el seudónimo de Septimus.

El diario en que comenzó a colaborar fue El Espectador y se dice que llegó a inventarse una excursión por helicóptero sobrevolando el Salto del Tequendama.

A continuación dio a conocer una serie de reportajes que incluyeron entrevistas a un marinero que cayó de la cubierta de un navío de la armada colombiana y fueron publicados con el título Relato de un náufrago. Poco después, El Espectador lo envió como corresponsal a París en la década de 1950, allí conoció la literatura americana, en buena medida a través de traducciones francesas. Estando en la capital francesa, el diario dejó de publicarse y García Márquez se quedó sin empleo, de modo que dedicó su tiempo a escribir; las deudas se amontonaron en poco tiempo y no tuvo más remedio que regresar a Bogotá.

A finales de esa misma década, trabajó en Caracas y posteriormente en Nueva York para “Prensa latina”, el servicio de noticias creado por el régimen de Fidel Castro.

Su relación con el comandante cubano comenzó en 1958, cuando fue invitado como periodista con ocasión del lanzamiento de la “Operación Verdad”, organizada por Castro para contrarrestar la mala imagen que difundían de él las agencias de noticias estadounidenses. La revolución cubana se desató el mismo 1958 y García Márquez tomó partido por el bando castrista, llegando a convertirse en uno de los principales defensores de dicho régimen.

Tiempo después se trasladó a Ciudad de México, donde escribió Cien años de soledad, la obra que lo consagró definitivamente e incluso le aportó notoriedad mundial. Después de su publicación, entre 1967 y 1975 vivió en España, concretamente en Barcelona.

Más tarde estuvo durante largas temporadas en La Habana, donde Fidel Castro le proporcionó una mansión, a pesar de contar con una casa en México y un piso en París.

Otro terreno que ha sido objeto de atención por parte de “Gabo”, como cariñosamente le llaman sus amigos, ha sido el cine. Fue incluso crítico en los diarios El Heraldo de Barranquilla y el ya mencionado El Espectador.

Un cuento titulado En este pueblo no hay ladrones fue objeto de una adaptación cinematográfica en México; en compañía del escritor mexicano Carlos Fuentes escribió el guión de El gallo de oro,basado en un cuento de Juan Rulfo.

Otros guiones suyos trasladados a la pantalla han sido Tiempo de morir y El secuestro. Títulos cinematográficos como Presagio, María de mi corazón, La viuda de Montiel están asimismo relacionados con él, ya que o están basados en obras suyas o los escribió directamente.

Además del mencionado Premio Nobel de literatura en 1982, García Márquez ha recibido numerosos galardones, como el Premio Esso de novela en Colombia; el Premio Chianciano en Italia; el doctoradohonoris causa de la Universidad Columbia de Nueva York, el Premio Rómulo Gallegos en Venezuela y la Legión de Honor en Francia.

 

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Las obras más famosas de Francisco de Goya

Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828), artista español que destacó por sus pinturas y grabados en los que representó a las principales figuras de la corte de Carlos IV y Fernando VII, escenas de la vida cotidiana y la tauromaquia, así como imágenes de la Guerra de la Independencia española. Entre sus obras más destacadas se encuentran Maja vestida, Maja desnuda, la serieCaprichos y los lienzos El dos de mayo y Los fusilamientos del tres de mayo. Su fuerte estilo expresivo y su técnica pictórica le han valido ser considerado como uno de los principales precursores del impresionismo y los movimientos de vanguardia del siglo XX.

Dentro de sus principales obras, encontramos:

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La maja vestida
1797 – 1798
Lienzo. 0,97 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.

Famosísimas por la leyenda que quiso ver en ellas a la duquesa de Alba, las Majasson, quizá, lo más conocido en la obra de Goya, y sin duda lo que más literatura extraartística ha producido. Paradójicamente, son también las obras de las que se posee menos información documental. Se ha supuesto, por razones técnicas, que se pintaron hacia 1797-1798, pero no es seguro que sean contemporáneas, y en realidad nada se sabe acerca de ellas hasta que aparecen en 1808 en la colección de Godoy, calificadas de “gitanas”. Desde 1808 estuvieron en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con los bienes incautados a Godoy, y en 1901 pasaron al Museo del Prado.

Aun cuando el modelo parezca el mismo y la posición y actitud sean idénticas, algo que no es sólo el contraste entre lo vestido y lo desnudo distingue a las dos MajasLa maja vestida está tratada con una técnica más suelta, vibrante y libre: más “goyesca”, en realidad, que La maja desnuda.

Mucho menos académica en su acabado, La maja vestida comunica al espectador un hálito de vida y de malicia, que hizo a la escritora Emilia Pardo Bazán calificarla de “más que desnuda”, por contraste con su “aporcelanada” compañera. Fragmentos de pura pintura como la chaquetilla amarilla con adornos negros o los volantes de la almohada se cuentan entre los aciertos más rotundos del pincel de su autor.

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La maja desnuda
1797 – 1798
Lienzo. 0,97 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.

Se ha pensado que ambas majas formasen un díptico, de modo que la vestida pudiese descubrir, como al volver una página, a la desnuda. Es hipótesis muy verosímil, pues semejantes “picardías” eran frecuentes, aunque en menor medida, en Francia y en el ambiente de los ilustrados. De cualquier modo, La maja desnudaes un delicadísimo y acabado estudio de tonos nacarados, perfecto como pintura neoclásica, torneado y pulido el desnudo como una porcelana. Quizá sea, precisamente por su perfección y por su peso de Academia, lo menos “goyesco” de toda la producción del pintor. Ambas obras estuvieron juntas en la Academia desde 1808, con los bienes incautados a Godoy, y en 1901 pasaron al Museo del Prado.

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La maja y los embozados
1777
Lienzo. 2,75 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.

La producción de Goya es enormemente rica y varia. El Prado, que posee una asombrosa cantidad de obras suyas, muestra casi por entero la evolución, lenta y personal, de su sensibilidad. Los principales jalones de la vida artística de Goya están aquí representados, desde la pintura de sus primeros años madrileños -los cartones para tapices que dan su aspecto vivo, sensible y popular, matizado a veces de ironía y de humor, aún con algo de gracia rococó en su tratamiento- hasta las sombrías y dramáticas “pinturas negras” de su vejez, que parecen anunciar tantas direcciones de la pintura contemporánea, pasando por los retratos oficiales, los cuadros de historia y algunas de sus creaciones de mayor empeño académico, amén de muchos retratos privados y cuadritos menores, de carácter muy vario, acopiados por diversos conductos y ajenos a su quehacer oficial.

Su labor como suministrador de cartones para la Real Fábrica de Tapices, que fue su primera ocupación madrileña, se guarda en el Prado casi en su totalidad. Puede advertirse cómo a lo largo de los casi veinte años que duró esta actividad, de 1775 a 1792, Goya fue aprovechando esta obligación casi artesana para ensayar, armonizar, variar composiciones, observar e interpretar la realidad; es decir, como escuela de pura pintura.

De las primeras obras, aún torpes, mediocres, sin ningún acierto personal que las distinga de las de sus cuñados los Bayeu, pasa pronto a la segura maestría que se advierte en los cartones que entrega en 1777. De esa fecha es La maja y los embozados, de gracioso arranque decorativo, pintada ya con una riqueza de tonos calientes y una seguridad de pincel considerables.

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El coloso, o El pánico
1808 – 1812
Lienzo. 1,16 x 1,05
Museo del Prado, Madrid.

Con la llegada del nuevo siglo, Goya se convertirá en un lúcido cronista que describirá como nadie el esperpento, la violencia y, en definitiva, la terrible realidad que le rodeaba. Se trata del Goya expresionista de las “pinturas negras”. Un preámbulo de esta serie de pinturas es el lienzo que lleva el título de El coloso o El pánico, realizado hacia 1810-1812 y conservado en el Museo del Prado.

Este enigmático lienzo (que plasma todavía, sin duda, las pesadillas de la guerra) anuncia, pues, por su técnica y ambiente, las visiones que en los últimos años de la vida del pintor alcanzarán su punto de máxima expresividad. La verdadera significación e intención temática de este lienzo es aún imprecisa. Algo colosal y terrorífico se yergue frente a la desamparada humanidad y la pone en fuga. Sólo un asno, estampa de la ignorancia y la inconsciencia, permanece quieto e impávido.

Se han expuesto múltiples interpretaciones y significaciones del gigante. Hay quienes quieren ver una alusión a Napoleón, otros ven un símbolo de la guerra, el hambre, la crueldad o simplemente el miedo a lo desconocido. En cualquier caso el cuadro nos introduce en el mundo sombrío en que se nueve el Goya de los últimos años. Y por contraste nos revela también delicadezas y sabidurías de ejecución, con ligeros empastes dados con espátula y golpes vigorosos de pincel, de magistral modernidad. El cuadro entró en el Museo del Prado en 1930 con el legado Fernández Durán.

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El quitasol
1777
Museo del Prado, Madrid.

El quitasol,  forma parte de la serie de cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara; en concreto, para la serie destinada a la decoración del comedor del infante Carlos, entonces Príncipe de Asturias.

Fue ejecutado con toda probabilidad entre el 3 de marzo y el 12 de agosto de 1777, a juzgar por la datación de la entrega de la obra terminada a la Manufactura de Tapices. En el verano de 1777, el pintor hizo entrega de una serie que se destinaba a decorar el comedor del Príncipe de Asturias. Estos cartones fueron titulados así: El quitasol, El paseo por Andalucía (o La maja y los embozados), El bebedor y La riña en la venta nueva. En el documento de cuenta Goya tasaba El quitasol en quinientos reales de vellón. Goya recibió por esta serie completa de cartones 18.000 reales.

Hacia la mitad del siglo XIX el óleo fue trasladado al Palacio Real de El Pardo, donde se almacenó en el sótano del oficio de tapicería. Por orden real de 18 de enero y 9 de febrero de 1870 el cuadro ingresa como parte de los fondos del Museo del Prado y aparece en su catálogo por vez primera en 1876.

 

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La obra de Leonardo

Leonardo Da Vinci, nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina (que se casó poco después con un artesano de la región), y de Ser Piero, un rico notario florentino. Italia era entonces un mosaico de ciudades-estados como Florencia, pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. El Imperio romano de Oriente cayó en 1453 ante los turcos y apenas sobrevivía aún, muy reducido, el Sacro Imperio Romano Germánico; era una época violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites.

Su obra

Leonardo da Vinci es una de las figuras más fascinantes del Renacimiento. También es uno de los creadores que ha dado lugar a un mayor número de mitos sobre su persona. Considerado el paradigma del homo universalis renacentista, incursionó en campos tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura y la arquitectura, entre otros.

Su legado ha sido tan impresionante como la magnitud de su mito. Sus fecundas investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos, mientras que en su obra de pintor vieron en él un maestro y un sabio, que consigue elaborar y plasmar el ideal de belleza que preside la actividad artística del Alto Renacimiento.

Pintura y ciencia

Cuando se considera a Leonardo con relación a la variedad y complejidad de sus actividades artísticas y científicas, los rasgos que lo definen son su categórico rechazo al principio de autoridad y la afirmación de la experiencia como valor exclusivo. En su actividad como pintor éste será igualmente su rasgo definitorio. Aprendidos los dos principios básicos de la pintura florentina del Quattrocento, el sistema de representación tridimensional y la valoración de la Antigüedad clásica como maestra, se opondrá a ellos, superándolos y planteando un nuevo sistema de representación; a la construcción geométrica del espacio y la perspectiva lineal conseguida por los quattrocentistas, opone la perspectiva aérea, cuya base se encuentra en sus continuas investigaciones sobre el fenómeno de la luz. Ante la lección de la Antigüedad clásica, reacciona mediante un conocimiento racional, vasto y experimentado, de los fenómenos de la naturaleza.

En Leonardo se funden, como en ninguna otra personalidad histórica, la actividad artística y la actividad científica, y es en él donde, de un modo cierto, ambas actividades entran en contradicción, unas veces alimentándose y otras contraponiéndose. Pero, para Leonardo da Vinci, la belleza no se aparta de su concepción científica de la naturaleza, ya que, como ella, tiene que ser visible y experimentable. Leonardo, formado en contacto con el núcleo florentino neoplatónico, no abandona la idea de que la belleza es algo inmaterial, aunque ésta no se va a manifestar, como lo hacía en Botticelli, a través de metáforas y apologías, sino mediante una imagen visual directa, búsqueda que ocupa toda la actividad pictórica del artista.

El sfumato, recurso técnico inventado por él, que consiste en la difuminación de los contornos, se basa en su teoría científica sobre el espesor transparente del aire, que le lleva a la representación atmosférica. Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y densidad propias, que cambian por los efectos de luz; estas propiedades atmosféricas varían el volumen y el color de los objetos, que se encuentran integrados y unidos al medio en que se ubican.

El Quattrocento representaba los objetos, partiendo de una visión preconcebida de ellos; Leonardo los representa tal y como los observa en el momento en que van a ser representados, olvidándose de cualquier idea establecida a priori. La técnica delsfumato permite la fusión del objeto con la naturaleza que lo circunda, la unión de la naturaleza humana con la naturaleza cósmica, la consecución de la belleza ideal.

La Gioconda

En el arte occidental, se puede decir que no hay ninguna obra más famosa que la pintura de Leonardo da Vinci del retrato de Lisa Gherardini, llamado Mona Lisa (Mona es una abreviatura del italiano Madonna, señora), hija de un fabricante de lanas florentino llamado Antonio Gherardini. A su muerte, la muchacha habría sido prometida al hijo menor de Lorenzo el Magnífico, pero al huir el clan de los Médicis ante la invasión francesa, la joven se habría quedado sola y embarazada. En tan adversas condiciones, Lisa Gherardini habría aceptado desposarse con Francisco Giocondo, un hombre de mucha más edad que ella a quien debería el sobrenombre de la Gioconda. Sin embargo, son innumerables las teorías a este respecto; muchos creen que el retrato no se basa en un único modelo, sino en la suma de varios.

Se sabe que Leonardo trabajó en el retrato de la Gioconda durante cuatro años, probablemente desde 1503, pero él nunca lo consideró terminado y se negaba a entregarlo al cliente. El propio pintor manifestó en su época una gran predilección por el retrato de la Gioconda. Se sabe que llevaba consigo este cuadro en sus viajes, y que a menudo pasaba largas horas observándolo en busca de inspiración. No se conserva ningún boceto previo del retrato de la Gioconda, hecho ciertamente insólito si se tiene en cuenta que Leonardo, como muchos otros pintores, solía realizar exhaustivos estudios previos a sus diferentes obras.

Leonardo se lo llevó a Francia cuando en 1516 fue llamado por Francisco I y, a través de la familia real francesa, el cuadro llego con el tiempo al Louvre de París. Sin embargo, la pintura ha sido probablemente cortada en todos sus lados y, ante todo, el color ha sufrido transformaciones con el transcurso del tiempo: los tonos rojos han desaparecido casi totalmente y toda la pintura ha adquirido un tono verdoso.

Aun así, la obra conserva todavía una belleza peculiar. Muchos intentos se han hecho para explicar el vivo efecto que produce en el espectador. Leonardo utilizó un típicosfumato: los suaves colores y los contornos se funden en una sombra indecisa. De la misma manera, la expresión del rostro es equívoca: una sonrisa juega alrededor de la boca y los ojos. La joven parece mirar al espectador pero también al mismo tiempo mira a lo lejos, o hacia su interior. El efecto queda acentuado por el paisaje onírico del fondo, donde además el artista ha dejado mucho más bajo el horizonte de la izquierda que el de la derecha. Tampoco las dos mitades de la cara son del todo iguales. Lo turbador de estos aspectos se contrapone con la tranquila armonía de las manos maravillosamente modeladas.

La grandeza y la serenidad que la obra trasmite parece proceder de su profundidad anímica, de su propia intimidad psicológica que parece modelar su presencia física de la dama que, al mismo tiempo, se desintegra en la naturaleza envolvente, sin que por ello pierda su propia identidad. Leonardo consigue que lo universal y lo particular se conjuguen en una simbiosis perfecta. El paisaje, en continuo movimiento, símbolo del ser de la naturaleza, se conforma mediante ríos que fluyen, brumas, vapores, rocas deshilachadas, juegos de luces y vibraciones de colores. Nada hay permanente, todo se trasmuta y se funde, en una visión de paisaje irreal, esencia de la naturaleza. La belleza estriba en ese continuo ser y no ser, hacerse y deshacerse; la mujer en comunión con la naturaleza se integra y forma parte de ella, convirtiéndose igualmente en fondo.

Muy pronto empezaron las cábalas y especulaciones acerca de la modelo del cuadro y su enigmática sonrisa. El artista del siglo XVI Vasari relata que Leonardo hacía tocar música durante las sesiones para que la modelo conservara “esta sonrisa extasiada que, al verla, hace pensar en una alegría más celestial que terrena”. Freud realizó una interpretación psicoanalítica. Su sonrisa se ha comparado a la expresión de arcaicas estatuas griegas o esculturas angelicales góticas. Pero también ha sido sometida a una cruel caricaturización por parte de muchos artistas. En 1911 el cuadro fue robado por un aprendiz de pintura italiano que lo llevó a Florencia con la intención de vendérselo al estado italiano, pero fue localizado al cabo de dos años y el cuadro fue devuelto.

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Claude Oscar Monet, pintor impresionista

Claude Oscar  Monet (1840-1926), pintor francés considerado como el más importante de los impresionistas. Conocido sobre todo por ejecutar su pintura en plain air, al aire libre, plasmó infinidad de paisajes, jardines, ambientes y personajes mostrando un constante interés por el estudio de la luz y sus variaciones. Entre sus obras más famosas están El puente japonés o las diferentes variantes que hizo sobre La catedral de Rouen.

Claude Oscar Monet nació en París (Francia) el 14 de noviembre de 1840. Durante su adolescencia estudió dibujo en Le Havre (localidad en la que vivió cuando era niño) junto a Eugène Louis Boudin, pintor de temas marinos que lo introdujo en la disciplina de la pintura al aire libre.

Al principio, la pintura al aire libre de Monet resultaba amable y convencional, lo que le reportó cierto éxito con la crítica y el jurado de los salones. No obstante, pronto se alejaría de los cánones establecidos debido a su constante afán por plasmar los diferentes efectos que producía la luz conforme transcurrían las horas del día.

Dicho afán repercutió en la arbitrariedad con la que utilizaba la paleta de color, que aplicaba mediante pinceladas rápidas y cortas, algo necesario si lo que se deseaba era captar con fidelidad los estados cambiantes de la naturaleza. Esta independencia y libertad de Monet y el resto del grupo de pintores provocó que se les denominase peyorativamente como “impresionistas“, por ser su pintura más “impresión” que “realidad“.

Maestro a la hora de observar con minuciosidad la naturaleza y plasmar su complejidad y los diferentes estados por los que ésta atravesaba, pintó, durante la década de 1880, gran número de cuadros y temas. Entre los mejores ejemplos se encuentran Rocas de Pourville, la serie de vistas de Etrerat: Etrerat mar agitada, Playa de Etrerat, Acantilado en Etrerat, Mujer con sombrilla, Rocas en Belle-Ile y La barca.

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Fuente: Magnacademy

Fotografía: Steven Zucker Agustina Motto Murúa